Baumann Crown of Horns, 2024

Anselm Baumann – Corona de cuernos

El artista Anselm Baumann actúa como un investigador. Su forma de trabajar consiste en experimentar intensamente con colores, materiales y técnicas de producción, siendo sus obras a menudo fruto de un proceso de desarrollo que suele durar varios meses y que siempre gira en torno a un tema central: el espacio. El espacio entendido como arquitectónico, como espacio de color e ideas que se despliega entre la construcción y la representación. Fundamental para este proceso es lo impredecible, aceptado como una alteración y consciente incorporado al proceso de trabajo como potencial creativo. Este carácter abierto permite que la obra desarrolle su propio desarrollo más allá de los pensamientos iniciales. Como escultor formado, Baumann tuvo contacto con una amplia variedad de materiales y técnicas de elaboración desde una temprana edad. Desde entonces, ha ampliado constantemente su repertorio, lo que se refleja especialmente en sus relieves en gesso. Colores abstractos dentro de elementos arquitectónicos, donde el tamaño y el propósito se mantienen deliberadamente en equilibrio. Modelos para edificios o solo fachadas, obras finales o pasajes intermedios de una idea más amplia, en su ambivalencia intencionada, son parte del concepto artístico que, gracias a la imperfección modelada, activa la imaginación de los observadores y deja espacio a la pregunta: ¿cómo sería un edificio de este tipo? ¿Dónde estaría ubicado, cómo se vería?

En el área de Union se manifiesta esta mentalidad en dos formas plásticas muy simétricas. Como capiteles estilizados, recuerdan a las ramas de los árboles y sirven como elementos escultóricos en las zonas de unión de la estructura de pilares y vigas. Con su poderosa presencia, dirigen la mirada hacia arriba, mientras al mismo tiempo el pragmatismo racional de la estructura constructiva se desvanece y, gracias a su lenguaje formador orgánico, entran en un diálogo con la claridad constructiva. Así comienza un juego en el que elementos plásticos y superficies colajadas liberan constantemente nuevas percepciones y, gracias a la circulación a través de la escalera de caracol, los espectadores se convierten en actores que generan cambios a través de su perspectiva, experimentando de nuevo la configuración de las nubes de árboles. Se originan a partir de la interacción con formas de hábitat naturales y estructuras orgánicas similares, en las que los troncos fundidos en aluminio, con una elegancia delicada, representan una continuación y una ampliación de las respectivas escaleras de caracol y entran en un diálogo con los tejados. En este entramado narrativo, que combina arquitectura, escultura y simbolismo, las dos esculturas de árbol, junto con los cuernos de cabra estilizados, se refieren a la narración bíblica de la ofrenda de Isaac.

Un texto adjunto visualiza la tradición del sonido del corno de salterio, ese antiguo sonido que en el judaísmo tiene una profunda significación espiritual. En la Rosch Haschana, la fiesta judía de Año Nuevo, tradicionalmente se hace sonar el corno de salterio para provocar un llamado interior a la conversión. Este sonido representa la renovación, la libertad y la salvación. Sus tonos – Tekia, Tru’ah y Schewarim – forman una arquitectura sonora simbólica que oscila entre la permanencia, la disolución y la interrupción, siendo los Schewarim, interpretados en el contexto judío como „fragmentos“, el estado de desconcierto y, al mismo tiempo, de renovación, y por lo tanto, una puente metafórico entre el desintegrarse y el inicio de algo nuevo. La escritura que recoge esta simbología sonora juega con la idea de la pintura sonora; la escala, el color y la posible representación en forma de cut-outs son parte del concepto artístico que abre el diálogo entre escultura, texto, sonido y significado espiritual y, finalmente, plantea también la cuestión de la eficacia de la arte en el espacio: como alteración, como resistencia, como estímulo para el cambio.