Goldmans
Poéthique
Ardi Goldman - Vision et compagnons
Le parcours artistique et de résistance sur le site Union-Gelände est un projet très personnel pour moi. Pour moi, c’est un lieu de questions, des questions envers le monde, l’histoire, et envers nous-mêmes. Il s’agit de la nature humaine, de la civilité, du courage d’ambivalence. La religion nous donne des règles sur le mode dont la coexistence pacifique peut ou doit se dérouler. Toutefois, ce qui m’inspire moins que la doctrine que la poésie – peut-être que l’on pourrait ainsi élaborer quelque chose comme une éthique poétique. Une „ éthique poétique “.
Je adore les histoires. Et j’adore les raconter. Il y en a beaucoup à ce Union-Gelände sujet – certaines sont vives et directes, d’autres plus subtiles et discrètes. Les chemins empruntés ici ne sont pas seulement physiques, mais aussi mentaux. Je me souviens d’une installation à l’Expo 02 en Suisse : un conflit raconté à travers différentes perspectives, selon la porte par laquelle on entrait dans la pièce. Cette expérience m’a marqué, car ici aussi, c’est le point de vue qui détermine le chemin. Et chaque chemin renferme sa propre histoire.
L’art est pour moi une partie de mon esprit, de ma manière de penser, de mon attitude, de ma vie quotidienne. Il respire, il vit, il conteste. Et il exige parfois de manière radicale. L’Union-Areal est un lieu vivant, un lieu en constante évolution. Ici, l’art n’est pas conservé, mais montré, même avec le risque de faire des erreurs. C’est précisément cela qui fait sa valeur. Je vous invite à flâner sur le site. Laissez-vous emporter par les œuvres, faites l’expérience de la provocation, de l’irritation. Suivez des sentiers familiers ou partez hors des sentiers battus. Mais soyez prévenus : cela pourrait changer votre façon de penser.
Les niveaux de signification de l’art sur Union-Gelände ces plateformes sont variés. Ce qui m’importe ici, c’est que la textualisation de l’art reste vague : il ne s’agit pas d’une clarté absolue, mais bien plutôt d’une complexité. Il s’agit de niveaux de signification secondaires et tertiaires, de ce qui se situe entre les lignes. Bien sûr, les relations personnelles jouent également un rôle ; souvent, les artistes sont des compagnons, des personnes avec qui j’ai eu des conversations intenses, que j’ai découvert ou que j’ai découvert grâce à eux. Ainsi, chaque œuvre n’est pas seulement de l’art au sens classique, mais aussi une partie d’une narration. Une partie de ma propre histoire.
Stefan Strumbel
Une amitié profonde et une histoire particulière nous lient. Je collectionne ses œuvres depuis longtemps. Pour sa Madone, l’une de mes œuvres préférées sur le site, j’ai fait réaliser un socle avec l’inscription La Famiglia, écrite dans la typographie du film The Godfather. Je voulais savoir comment cet ajout affectait l’œuvre. Alors, je suis allé voir quelques filles près de Stefan Strumbel l’atelier Maserati et je leur ai demandé comment elles en faisaient l’interprétation. Elles ont répondu : „ Super, la famille ! “ Les mécaniciens ont ri. Elles ont immédiatement reconnu l’allusion – Mafia. Pour beaucoup d’Italiens, la Vierge est une Sainte, l’Église un lieu central ; le dimanche, toute la famille y va, la mafia aussi. C’est l’irritation. Le paradoxe. Strumbel lui-même n’était pas satisfait de mon intervention ; pour lui, l’art doit être pour lui-même. Je vois les choses différemment. Je n’ai pas expliqué l’œuvre, mais seulement donné un „ lien “ à celle-ci. Une chose qui vous tient en haleine.
Fabian Thiele & Florian HeINKE
Fabian Thiele
Un autre projet qui m’a été proposé par un événement fortuit est la publicité lumineuse „ Baumarten sterben angenehm“ de Fabian Thiele. Le panneau d’affichage original provenait d’un de mes locataires situé à Hanauer Landstraße 220 — une société de conseil qui souhaitait se départir de sa vieille publicité accrochée sur le toit. Étant un amateur de jeux de mots, j’ai demandé à Fabian de créer quelque chose de nouveau à partir des lettres existantes. „ Baumarten sterben angenehm“ était le meilleur choix et il n’a fallu que peu de changements pour qu’il soit accepté. L’effet est énorme — beaucoup de visiteurs s’arrêtent, lisent et se demandent : « Est-ce vraiment sérieux ?» ou « Est-ce cynique ?» L’irritation fonctionne. Fabian Thiele Sam collecte des lettres éclairées, surtout des enseignes néon classiques. Pour lui, ce sont plus que de la publicité ; ce sont le cœur de la poésie urbaine. Par le passé, elles représentaient la modernité et le progrès ; aujourd’hui, ce sont des reliques. Thiele conserve cette esthétique – non pas par nostalgie, mais par conviction. C’est ce qui nous a réunis : la fascination pour les objets qui racontent une histoire mais qui disparaissent.
Florian HeINKE
Tout à fait différent et pourtant en résonance avec lui Florian Heinke. J’ai découvert ses œuvres au Städel – caractéristiques, brutales, intransigeantes. Elles m’ont immédiatement captivé. Sa peinture rappelle les affiches de films d’antan français, Alain Delon et Romy Schneider. Romy – une tragédie absolue. Certains hommes prennent tout le mal sur eux. Les Kennedy, par exemple. Superintelligents, privilégiés et tués si tôt. On se demande alors pourquoi Dieu donne à quelqu’un tant de choses et le fait mourir si tôt ? C’est une perte de temps. Les œuvres de Heineck dénoncent cette désespérance. J’ai voulu travailler avec lui. Dans le cadre d’une campagne publicitaire pour mon immeuble à l’adresse Stephansstraße – le MA – nous avons créé douze motifs. Il s’agissait d’une langue visuelle pour un monde en crise. Le motif le plus fort était : WAR LOVES US. Une provocation. Une accusation. Une invitation au mécontentement. Et, dans le quartier où Thiel travaille, l’œuvre révèle une double résonance – entre l’humour et le gouffre, entre jeu de mots et douleur universelle.
Robert Montgomery
L’art basé sur le texte, comme celui de Türen Robert Montgomery, peut ouvrir des portes. Vers l’extérieur, mais aussi vers l’intérieur. Je ai vu pour la première fois les œuvres de Montgomery dans un catalogue dans l’atelier de Lizzy Coleman. Elles m’ont immédiatement touchée.
Une amie de Londres fut la passerelle pour ce contact. Il voulait que je l’appelle directement – nous avons eu un très bon entretien. Peu de temps après, une énorme boîte est arrivée chez moi, signée „ For the King Ardi “. Ce n’était toutefois pas un travail fini, mais un artist proof – des câbles étaient accrochés partout. J’ai fait encadrer cette œuvre en plexiglas pour la présenter dans mon club Fortuna Irgendwo et l’avoir ensuite invité à venir à Francfort. Il a apprécié la présentation, et j’ai obtenu son accord.
Ce travail m’a particulièrement touché, car il a été refusé par le Holocaust Memorial de Londres parce qu’il n’était „ pas assez britannique “. Je trouvais qu’il fallait le placer dans mon espace. Malheureusement, toutes les cinq éditions ont déjà été vendues. Malgré tout, j’ai réussi à le convaincre – avec ma vision du parcours artistique et de résistance. Aujourd’hui, deux œuvres de lui sont exposées sur le site : „ The people you love become ghosts inside of you and like this you keep them alive “ et „ All palaces are temporary palaces “. Elles apportent une profondeur poétique à la dureté industrielle du lieu.
Les frères Mügge
Les rencontres fortuites enrichissent mes voyages et mon existence d’une manière indéterminée : chez les frères Mügge, c’est un tel hasard. Je me trouvais à Munich, cherchais à rencontrer des amis et je passais devant une installation dans un boîtier en verre, un projet de Union-Gelände l’Église évangélique qui devait bientôt être démonté. Ce travail ne me quittait pas. Je retournai, la regardai de plus près et je compris que je voulais quelque chose de ces deux artistes. Leur travail est libre, ludique et parfois éphémère – comme si elle était faite pour entrer dans un parking souterrain. Là, elle est exposée à tous les éléments du temps.
Mais c'est comme ça que ça marche : leur art vit du processus, pas de la conservation.
Je suis un homme du matériel. J’aime flâner. Tout ce que je trouve fait partie de moi. Par le passé, j’avais trouvé beaucoup plus de choses ; les hôtels 25hours en ont profité. Mais aujourd’hui, c’est plus difficile : les bons brocanteurs disparaissent. Et un jour, il n’y aura tout simplement plus de choses comme ça. Il faut les reconnaître quand elles apparaissent et les préserver.
Eva Schwab & Frederik Erichsen
Eva Schwab
C’est aussi ce que j’ai ressenti avec Eva Schwabs Flag Works. Leur œuvre s’appelle „ Transit “, et le titre en dit long. Transfèrement. Mouvement. Incertitude. Les drapeaux de s sont composés de tissus peints, des supports poétiques d’émotions. J’avais déjà suivi leur travail depuis un certain temps. Il y a beaucoup d’obsessions, de poésie, mais aussi de douleur qui n’est pas immédiatement visible. Normalement, je pense que l’art n’est pas bienvenu sur les drapeaux, car les drapeaux véhiculent des messages clairs. Mais Schwab rompt avec cette logique.
Ses „ drapeaux “ sont des supports d’images, ouverts, vulnérables. Je voulais savoir comment cela fonctionne, comment les visiteurs réagissent. En fin de compte, c’est mon terrain de jeu ; l’échec est permis, en outre, tout reste en mouvement ; les drapeaux peuvent temporairement disparaître et être remplacés par des messages textuels ; pour les observateurs, il y a toujours quelque chose de nouveau à découvrir !
Frederik Erichsen
Frederik Erichsen avait initialement conçu un monument pour le club ; je ne voulais pas cela. Au lieu de cela, j’ai choisi le smiley qui se trouve maintenant sur le site. Le smiley a été inventé par Harvey Ball pour réjouir les employés, dont l’atmosphère était mauvaise au sous-sol.
Le visage avec le sourire a été dessiné rapidement – un cercle, deux points, un arc. L’idée était simple, l’effet énorme. Pour moi, le smiley est aussi une référence à Forrest Gump. La scène où il marche sur un camion rempli de gaz injecté, son visage se dessèche et le smiley apparaît sur le T-shirt qu’il retourne. Il suffit de le montrer et de dire „ Forrest Gump “ et tout le monde se souvient immédiatement de ce moment.
Hagen Bonifer & Rocco und seine Brüder
Bien sûr, je ne peux pas mentionner tous les collaborateurs, artistes et compagnons ici – cela dépasserait le cadre de cette discussion. Mais Hagen Bonifer, que j’ai rencontré il y a longtemps et avec qui j’ai déjà réalisé trois autres projets ; plus récemment, il a recouvert la façade entière de mon immeuble de bureaux situé sur la rue Carl-Benz avec les chants des „ créatures de la Brise de l’Haut “ sous la forme de trois poèmes en lettres majuscules rouges, jaunes et bleues —, et Rocco et ses frères, Ces deux positions sont particulièrement importantes pour moi. Je me reconnais différemment dans les deux. Avec Bonifer, je me passionne pour le travail avec le mot écrit, qui constitue le point de départ de son processus artistique. Le mot et l’image s’entremêlent et servent de signes poétiques. Avec Rocco et ses frères, c’est leur attitude, leur radicalité, qui m’attire particulièrement.
Pour Union-Gelände cela, ils ont créé un espace Installation „11:6“ radicalement différent. L’œuvre joue avec l’esthétique des fenêtres d’église : colorées, éclairées, chargées de signification spirituelle. Mais ici, elles ont été montées à l’envers. L’œil ne regarde plus vers le ciel, mais se tourne vers la terre. Les fenêtres semblent des bombes tombant, soutenues par des systèmes de direction installés à l’intérieur. La beauté trompe et révèle une inversion effrayante. Le sacré devient militant. La lumière devient destruction. Et c’est précisément cela qui le rend Union-Gelände unique : un espace de contrastes, de friction, de dérision. Et peut-être, avec un peu de chance, un espace d’émergence.
Les missiles ou
„Dis-moi où sont les fleurs…“
Le chant „ Where Have All The Flowers Gone ? “ de Pete Seeger de 1955 est devenu mondialement célèbre grâce à Marlene Dietrich, qui l’a chanté dans plusieurs langues – dont l’allemand, l’anglais et le français – et même lors d’une tournée USO devant des soldats.
Sa mise en musique a fait de cette chanson un appel universel à la paix, porté par une tendresse immense. Dans sa version profondément émotive et compatissante, Dietrich a réussi à faire de cette chanson une hymne du pacifisme et de la mémoire au fil des décennies. Mais d'autres artistes importants ont également interprété le morceau à leur manière. Joan Baez l'a fait servir comme hymne de la lutte contre la guerre, Dalida lui a donné une élégance et une mélancolie françaises, Nana Mouskouri en a fait la voix de la paix mondiale, et Peter, Paul & Mary l'ont façonné avec leur style folk de protestation typique. Les vers du chant mêlent histoire mondiale, souvenirs et douleur et, sous la main de Goldman, ils donnent corps à un poème poétique.
Dans son installation, l’artiste utilise une forte métaphore visuelle en installant deux missiles montés verticalement sur la façade d’un bâtiment en brique noire. Sur leurs surfaces, des lignes centrales du chant de guerre antinazioniste sont apposées : „ Dis-moi où sont les fleurs, où sont-elles restées ? “ et „ Dis-moi où sont les soldats, le vent souffle sur les tombes. “ Ces lignes sont projetées intentionnellement sur des objets qui représentent une puissance et une violence destructives.
Les missiles eux-mêmes, stricts et silencieux, constituent une confrontation entre la fragilité poétique des textes de chansons et la dure réalité destructrice de la guerre. L’œuvre reflète le cycle perpétuel de la vie, de la perte et du retour, tel que celui-ci se reflète dans la ballade, et relie ces thèmes à la violence militaire réelle.
Les roquettes sont des témoins silencieux d’une violence qui, comme un cycle sans fin, laisse ses traces dans de nombreuses régions du monde. Pourtant, les mots qui leur sont apposés leur confèrent une dimension supplémentaire : ils deviennent des signaux d’alerte qui indiquent l’incapacité de l’humanité à sortir du cycle de la guerre. Entre les bâtiments, le ciel et l’espace urbain, se crée un terrain de tension qui incite inévitablement le spectateur à réfléchir à la signification de l’œuvre. L’endroit ordinaire où cette installation se trouve contraste fortement avec le message universel qu’elle véhicule.
La combinaison de missiles et d’appel à la paix fait réfléchir le spectateur et le fait réfléchir à l’inévitabilité de la souffrance humaine. Marlene Dietrich, célèbre en 1930 pour son rôle de „ Lola la sexy “ dans la version cinématographique de Heinrich Mann „ L’Ange bleu “, a trouvé sa deuxième patrie aux États-Unis. Malgré les offres lucratives de l’industrie cinématographique allemande, elle est restée à Hollywood. En 1939, elle est devenue citoyenne américaine et a soutenu les troupes américaines pendant la Seconde Guerre mondiale. En 1962, elle a rendu célèbre la version allemande du chant anti-guerre de Pete Seeger. L’origine de cette chanson réside en fait dans un chant folklorique, ce qui montre que le message est universel et ne s’adapte pas aux frontières nationales. « Sagis-moi où sont les fleurs » est une histoire cyclique qui illustre les conséquences de la guerre dans des questions et réponses récurrentes. Elle commence par la question de savoir où les fleurs sont restées et la réponse est que des filles les ont cueillies. Cette question concernant les filles conduit à d'autres questions, jusqu'à ce que le thème de la guerre et des tombes soit abordé. La version écrite de Pete Seeger et Max Colpet présente un fil inexorable d'événements qui naissent de la perte et de la souffrance.
L’œuvre transporte le chant antimondialiste dans l’espace public et détourne le regard vers le haut – vers là où peuvent se trouver à la fois la menace et l’espoir. Les missiles sont des témoignages gelés d’une violence qui laisse ses traces dans le monde entier. Mais le texte qui y est inscrit les transforme en signaux d’alerte qui évoquent le cycle de la nature, de l’homme, de la guerre et de la mort, tel que décrit dans la chanson. Ainsi, l’œuvre devient une question silencieuse mais pénétrante adressée à chacun : quand comprend-on vraiment quelque chose ?
Ardi Goldman Art
et la Fondation culturelle gGmbH
Uniongelände
Hanauer Landstraße 188, 60314 Frankfurt am Main