Goldmans
PoEthik
Ardi Goldman - Visione e compagni
Il percorso artistico e di resistenza sul terreno Union-Gelände è un progetto molto personale per me. Per me è un luogo di domande, domande sul mondo, sulla storia, su noi stessi. È una questione di natura umana, di coraggio civile, di audacia nell’ambivalenza. La religione ci dà delle regole su come la convivenza pacifica possa funzionare o dovrebbe funzionare. Per me, tuttavia, la guida non proviene tanto dalla dottrina quanto dalla poesia – forse da qui si può sviluppare qualcosa di simile a un’etica poetica. Una „PoEthic“.
Adoro Union-Gelände le storie. E amo raccontarle. Qui ce ne sono molte: alcune sono forti e dirette, altre più delicate e silenziose. I percorsi che si percorrono qui non sono solo fisici, ma anche mentali. Mi ricordo di un’installazione all’Expo 02 in Svizzera: una storia raccontata da diverse prospettive, a seconda della porta attraverso cui si entra nella stanza. Questa esperienza mi ha segnato perché così è anche qui: l’angolazione è determinante. E ogni percorso racchiude la propria storia.
Per me l’arte è parte del mio modo di pensare, della mia postura, della mia quotidianità. Essa respira, vive e si contrappone. E sfida, a volte in modo radicale. L’Union-Areal è un luogo vivo, un luogo in costante cambiamento. Qui l’arte non viene conservata, ma esposta, anche con il rischio di sbagliare. Proprio questo è ciò che la rende preziosa. Vi invito a passeggiare per il territorio. Lasciatevi guidare dalle opere, sfidatevi, irritatevi. Seguite i sentieri familiari o abbandonate questi. Ma state attenti: potrebbe cambiare il vostro modo di pensare.
I livelli di significato dell’arte Union-Gelände sono molteplici. Per me è importante che la textualizzazione dell’arte rimanga vaga: non si tratta di chiarezza assoluta, bensì di molteplici livelli di significato. Si tratta di livelli secondari e terziari, di ciò che si trova tra le righe. Naturalmente, le relazioni personali svolgono un ruolo importante; spesso le artiste e gli artisti sono compagni di viaggio, persone con cui ho avuto intense conversazioni che ho scoperto o che mi hanno scoperto. In questo modo, ogni opera non è solo arte nel senso classico, ma parte di una narrazione. Parte della mia storia.
Stefan Strumbel
Con Stefan Strumbel lui c’è una profonda amicizia e una storia particolare. Per molto tempo colleziono i suoi lavori. Per la sua Madonna, uno dei miei lavori preferiti nel complesso, ho fatto realizzare un basamento con la scritta La Famiglia, scritta nella tipografia del film The Godfather. Volevo capire come questo intervento funzionava. Così sono andato a parlare con alcune ragazze vicino alla officina Maserati e ho chiesto loro come avessero scoperto la cosa. Essi hanno risposto: „Fantastico, la famiglia!“ I meccanici hanno riso. Hanno subito riconosciuto l’allusione – mafia. Per molti italiani la Madonna è una santa, la Chiesa un luogo centrale; la domenica tutta la famiglia va lì, anche la mafia. Questo è l’irritazione. Il paradosso. Anche Strumbel non era contento del mio intervento; per lui l’arte deve essere per sé. Io la vedo diversamente. Non ho spiegato il lavoro, ma solo dato un „hook“ a ciò che si può rimanere legati.
Fabian Thiele & Florian HeINKE
Fabian Thiele
Un altro lavoro che mi ha colpito per una coincidenza è la pubblicità a luce di strada „Baumarten sterben angenehm“ di Fabian Thiele. La targa originale proveniva da uno dei miei inquilini al numero 220 di Hanauer Landstraße – un’azienda di consulenza aziendale che voleva separarsi dalla sua vecchia pubblicità sul tetto. Vendo che amo i giochi di parole, ho chiesto a Fabian di creare qualcosa di nuovo a partire dai caratteri esistenti. „Baumarten sterben angenehm“ è stato il suggerimento più forte e sono state sostituite poche lettere. L’effetto è enorme – molti visitatori si fermano, leggono e si chiedono: “È questo inteso sul serio?” oppure “È una battuta?” L’irritazione funziona. Fabian Thiele Sam raccoglie lettere illuminate, soprattutto i classici cartelli a neon. Per lui, non sono solo pubblicità: sono il cuore della poesia urbana. In passato rappresentavano la modernità e il progresso; oggi sono dei relitti. Thiele conserva questa estetica – non per nostalgia, ma per convinzione. È questo che ci ha uniti: la fascinazione per le cose che raccontano una storia ma scompaiono.
Florian HeINKE
È tutto diverso e allo stesso tempo in sintonia con questo Florian Heinke. Ho scoperto le sue opere al Städel – in modo palese, crudo e senza compromessi. Mi hanno catturato subito. La sua pittura ricorda i cartelloni pubblicitari dei vecchi film francesi, con Alain Delon e Romy Schneider. Romy – una tragedia unica. Alcune persone semplicemente accettano il proprio destino. I Kennedy, per esempio. Superintelligenti, privilegiati e poi uccisi così presto. Allora si chiede: perché Dio dà a qualcuno così tanto e poi lo fa morire così presto? È una perdita di tempo. Le opere di Heinek esprimono questa disperazione. Volevo lavorare con lui. Nell’ambito di una campagna pubblicitaria per il mio negozio di via Stephansstraße – il MA – abbiamo sviluppato dodici elementi visivi. L’obiettivo era creare una lingua visiva per un mondo in tumulto. Il tema più forte era WAR LOVES US: una provocazione. Una denuncia. Un’invocazione alla resistenza. E nella vicinanza dell’opera di Thieles, l’opera si sviluppa in una doppia risonanza – tra il divertimento e il baratro, tra il gioco di parole e il dolore universale.
Robert Montgomery
L’arte basata sul testo, come quella di Tür Robert Montgomery, può aprire porte. D’esterno, ma anche di dentro. Ho visto per la prima volta le opere di Montgomery in un catalogo nell’atelier di Lizzy Coleman. Mi hanno colpito immediatamente.
In seguito, grazie a una amica di Londra, è nato il contatto. Voleva che lo chiamassi direttamente – abbiamo avuto un ottimo colloquio. Poco dopo mi è arrivata una enorme scatola, contrassegnata con „For the King Ardi“. Non era un’opera finita, ma un proof artistico: c’erano cavi sparsi ovunque. L’ho custodita in plexiglass per esporla nel mio club Fortuna Somewhere e poi l’ho invitato a Francoforte. Gli è piaciuta la presentazione e ho ottenuto il suo consenso.
In particolare mi ha colpito il suo lavoro, rifiutato per il Holocaust Memorial di Londra perché „non era abbastanza britannico“. Ho pensato che avrebbe dovuto essere qui, nel mio spazio. Purtroppo, tutte e cinque le edizioni sono già sold out. Nonostante ciò, ho convinto lui – con la mia visione del percorso artistico e di resistenza. Oggi ci sono due opere sue nell’area: „The people you love become ghosts inside of you and like this you keep them alive“ e „All palaces are temporary palaces“. Entrambi apportano una profondità poetica alla durezza industriale del luogo.
I fratelli Mügge
Le coincidenze durante i miei viaggi e nella mia vita arricchiscono il mio modo di vedere il mondo in modo imprevedibile: i Mügge-Brothers sono un esempio di questo tipo di scoperta casuale. Ero a Monaco, volevo incontrare degli amici e mi sono imbattuto in un’installazione in un contenitore di vetro, un progetto della Chiesa evangelica che sarebbe dovuto essere smantellato presto. Union-Gelände L’opera non mi lasciava stare fermo. Sono tornato, ho guardato più da vicino e ho capito: voglio qualcosa di entrambi. Il loro lavoro è libero, giocoso e in parte effimero – come se fosse fatto per l’ingresso alla zona di parcheggio sotterraneo. Là è esposto a vento e pioggia.
Ma così è la vita dell’arte: la sua arte vive dal processo, non dal mantenimento.
Sono un uomo dei materiali. Mi piace passeggiare. Tutto ciò che trovo diventa parte di me. In passato ho trovato molto di più; i 25hours Hotels ne hanno tratto beneficio. Oggi però la situazione è più difficile: i buoni antiquari stanno scomparendo. E alla fine, man mano che queste cose appaiono e si conservano, diventa difficile riconoscerle.
Eva Schwab & Frederik Erichsen
Eva Schwab
È stato così anche per Eva Schwabs Flag Works. Il loro lavoro si chiama „Transit“, e il titolo è perfetto. Transizione. Movimento. Incertezza. Le loro bandiere sono costituite da teli dipinti, supporti poetici per le emozioni. Ho seguito il loro lavoro da tempo. C’è molta ossessione, poesia, ma anche dolore che non è immediatamente visibile. Normalmente, io penso che l’arte non debba essere presente sulle bandiere, perché le bandiere trasmettono messaggi chiari. Ma Schwab rompe questa logica.
Le loro „bandiere“ sono supporti visivi, esposti e vulnerabili. Volevo capire come funziona, come reagiscono i visitatori. In fondo questo è il mio campo di gioco: il fallimento è permesso, inoltre tutto rimane in movimento; le bandiere possono temporaneamente scomparire e essere sostituite da messaggi di testo; per gli osservatori c’è sempre qualcosa di nuovo da scoprire!
Frederik Erichsen
Frederik Erichsen aveva originariamente progettato un monumento per il club; non volevo farlo. Invece ho scelto il sorriso che ora è appeso nel parco. Il sorriso fu inventato da Harvey Ball per rendere più felici i dipendenti, la cui atmosfera era negativa nel seminterrato.
Il sorriso sul volto era disegnato velocemente: un cerchio, due punti, un arco. L’idea era semplice, l’effetto enorme. Per me, però, lo smiley è anche un riferimento a Forrest Gump. La scena in cui lui corre su un camion pieno di spugne, il volto si sporca e sul suo T-shirt che gli ritornano è presente lo smiley. Non serve che lo mostri e ti ricordano tutti questo momento.
Hagen Bonifer & Rocco und seine Brüder
Naturalmente non posso menzionare tutti i collaboratori, gli artisti e le artiste e i compagni di viaggio qui – sarebbe troppo lungo. Ma Hagen Bonifer, con cui ho conosciuto molto tempo fa e con cui ho già realizzato altri tre progetti, l’ultimo dei quali ha decorato la facciata dell’edificio del mio ufficio in Carl-Benz-Straße con le canzoni dei „Creatures of the Windsbraut“ in forma di tre poesie in caratteri rossi, gialli e blu a lettere maiuscole, Rocco e i suoi fratelli, Sono particolarmente importanti per me. Con entrambe le posizioni mi identifico in modi diversi: con Bonifer mi affascina lavorare sul linguaggio scritto, che è il punto di partenza del suo processo artistico. Il linguaggio e l’immagine si completano e fungono da segni poetici. Con Rocco e i suoi fratelli invece è la loro attitudine, la loro radicalità, che mi affascina particolarmente.
Per Union-Gelände questo hanno realizzato un ambiente Installation „11:6“ radicalmente diverso. L’opera si basa sull’estetica dei finestrini delle chiese: colorati, illuminati dalla luce, pieni di significato spirituale. Ma qui sono stati montati in senso inverso. L’osservatore non guarda più verso il cielo, ma si spinge verso la terra. I finestrini sembrano bombe cadenti, supportate da sistemi di guida incorporati. La bellezza inganna e rivela un’incredibile inversione di tendenze. Il sacro diventa militare. La luce diventa distruzione. E questo è ciò che ne fa Union-Gelände parte: un ambiente di contrasti, di attrito e di sfiducia. E forse, con un po’ di fortuna, anche un ambiente di scuotimento.
I missili o
„Dimmi dove sono i fiori…“
Il brano „Where Have All The Flowers Gone?“ di Pete Seeger del 1955 divenne famoso in tutto il mondo grazie a Marlene Dietrich, che lo cantò in diverse lingue – tra cui tedesco, inglese e francese – e persino durante un tour con la USO davanti ai soldati.
La sua interpretazione trasformò la ballata in un appello universale alla pace, accompagnato da una straordinaria tenerezza. Nella sua versione, profondamente emotiva e compassionevole, Dietrich riuscì a rendere il brano un inno al perdono e alla memoria nel corso degli anni. Ma altri importanti artisti hanno interpretato il brano a modo loro. Joan Baez lo interpretò come inno del movimento anti-guerra; Dalida gli conferì un’eleganza e una melancolia francesi; Nana Mouskouri lo trasformò in una voce di pace globale; e Peter, Paul & Mary lo plasmò con il loro tipico stile folk-protest. Le parole del brano combinano storia mondiale, memoria e dolore e, nelle mani di Goldman, sviluppano un corpo poetico.
Nella sua installazione, l’artista utilizza una forte metafora visiva, collocando due razzi montati verticalmente sulla facciata di un edificio in mattoni neri. Le loro superfici recano rispettivamente dei versi centrali del canto antifascista: „Dìmi dove sono le rose, dove sono rimaste?“ e „Dìmi dove sono i soldati, il vento soffia sopra le tombe“. Questi versi vengono consapevolmente proiettati su oggetti che rappresentano una potenza distruttiva e la violenza.
I missili stessi, rigidi e silenziosi, rappresentano una contrapposizione tra la poetica fragilità dei testi dei canti e la dura realtà distruttiva del conflitto. L’opera riflette il ciclo perpetuo della vita, della perdita e del ritorno, come viene espresso nella ballata, e li connette a una realtà militare di violenza.
I missili rappresentano testimoni silenziosi di una violenza che, come un ciclo senza fine, lascia il suo segno in molte parti del mondo. Tuttavia, le parole che appaiono sulle loro superfici conferiscono loro una dimensione aggiuntiva: diventano segnali di allarme che indicano l’incapacità dell’umanità di uscire dal circolo della guerra. Tra edifici, cielo e spazio urbano si crea un campo di tensione che induce inevitabilmente il visitatore a riflettere sulla portata dell’opera. L’ambiente quotidiano in cui questa installazione si trova è in netto contrasto con il messaggio universale che trasmette.
La connessione tra razzi e appello alla pace lascia il pubblico senza fiato e lo porta a riflettere sull’inevitabilità della sofferenza umana. Marlene Dietrich, che nel 1930 divenne famosa come la „più bella Lola“ nella rievocazione cinematografica di Heinrich Mann, Der blaue Engel, trovò nella USA la sua seconda patria. Nonostante offerte ricche della industria cinematografica tedesca, rimase a Hollywood. Nel 1939 divenne cittadina statunitense e durante la Seconda Guerra Mondiale sostenne le truppe statunitensi. Nel 1962 contribuì a rendere famoso il brano pacifista di Pete Seeger. L’origine del brano risiede in un canto Donkosaken, il che dimostra che il messaggio è universale e non si limita alle frontiere nazionali. „Sag mir, wo die Blumen sind“ è una narrazione ciclica che illustra le conseguenze della guerra in questioni e risposte ricorrenti. Comincia con la domanda di dove siano rimaste le rose e la risposta è che le ragazze le hanno raccolte. Questa domanda sulle ragazze conduce a ulteriori interrogativi, fino a quando il tema della guerra e dei sepolcri non viene affrontato. La versione testuale di Pete Seeger e Max Colpet presenta una catena inarrestabile di eventi che nascono da perdita e sofferenza.
L’opera porta il canto antifascista nel pubblico spazio e rivolge lo sguardo verso l’alto – verso quel luogo dove possono trovarsi sia la minaccia che la speranza. I missili sono testimoni congelati di una violenza che lascia i suoi segni in tutto il mondo. Ma il testo che vi è contenuto li trasforma in segnali di allarme che tematizzano il ciclo tra natura, uomo, guerra e morte, descritto nella ballata. In questo modo l’opera diventa una domanda silenziosa ma incisiva rivolta a chiunque: quando si potrà mai capire?
Ardi Goldman Arte
e la fondazione culturale gGmbH
Uniongelände
Hanauer Landstraße 188, 60314 Francoforte sul Meno